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Museo del Prado, versión para iPad

Con motivo del Día del Libro, que se celebró el pasado martes 23 de abril, el Museo del Prado lanza la ´Guía del Prado para iPad´, la primera aplicación oficial del Museo, una nueva herramienta para profundizar en su colección permanente.
La nueva app está disponible en cinco idiomas, español, inglés, francés, italiano y portugués, y permite compartir el acceso del ‘corazón’ de la Colección a todo el público interesado a través de 400 obras con imágenes y textos sintéticos redactados por un equipo de especialistas coordinado por el Museo.

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En abril de 2008, el Prado presentó La Guía del Prado en edición impresa, de la que ya ha puesto en circulación más de 240,000 ejemplares. En abril de 2013 se convierte en el primer museo que actualiza su guía completa en este soporte app.

El corazón del Prado
La obras aparecen presentadas de forma cronológica en una clasificación por escuelas internacionales: española, italiana, flamenca, holandesa, francesa, alemana y británica, a las que se añaden dos capítulos dedicados a obras sobre papel, escultura y artes decorativas. Esta selección refleja las diferencias que existen entre las escuelas y los artistas representados en el Museo, donde ocupa un lugar esencial Velázquez y los pilares de las colecciones: Goya, El Greco, Tiziano, El Bosco y Rubens.
Además, una selección de 50 obras maestras incluyen imágenes de gran tamaño que permiten navegar en ellas, y un acercamiento a la obra superior incluso al que se consigue en la visita en el Museo. Y como valor añadido, las imágenes de las traseras de los trípticos y dípticos, como el Jardín de las delicias, la Adoración de los Magos o el Carro de heno del Bosco, no visibles en las salas de exposición.
Otro valor añadido se encuentra en los cinco recorridos temáticos del Museo que se ofrecen: ’50 obras maestras’, ‘Velázquez’, ‘Pintura veneciana’, ‘Princesas’ y ‘Animales del Prado’. Estas propuestas permiten situar las obras en el Museo, preparar una visita, enriquecer el conocimiento de la colección con una visita temática o descubrir una forma entretenida de acercar el Prado a los niños a través de temas como los animales o las princesas.
El acceso al contenido se puede realizar por el índice de colecciones y por el de artistas. Cuenta con la posibilidad de guardar y seleccionar las obras o los artículos que al lector le parezcan más relevantes en la sección de ‘Favoritos’, así como la de compartir los contenidos en las redes sociales a través de enlaces directos desde las fichas de las obras.
* En el Appstore, la app se ofrece con un precio de 139 pesos mexicanos.
Fuente: http://www.hoyesarte.com

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El Rijksmuseum, restaurado

Más de 50 mil personas ya habían comprado sus tickets, como si de un concierto de Madonna se tratara. Y es que el sábado 13 de abril, remodelado por un equipo español, abrió de nuevo sus puertas la cámara de los tesoros de Holanda: el Rijksmuseum.

Rijksmuseum Atrium, 2012
Las primeras reacciones son de entusiasmo. Ahora el “Rijks”, como lo llaman cariñosamente los ciudadanos de Ámsterdam, volverá a medirse con las grandes pinacotecas mundiales como el Louvre de París, el Prado de Madrid o el Metropolitan de Nueva York.
Diez años estuvo en obras el museo más importante de ese país europeo. Hubo una cadena de tropiezos y titulares negativos, la remodelación duró seis años más de lo esperado y costó un tercio más de lo previsto, hasta el total de aproximadamente 375 millones de euros (490 millones de dólares).
Pero todo eso quedó olvidado cuando el sábado volvió a abrir sus puertas al completo este templo del arte. Sobre la plaza que da acceso al museo se colocó una alfombra naranja, con lo que la “Museumplein” vuelve a ser el centro cultural de Holanda y un imán para turistas de todo el mundo.
El Stedelijk Museum de Arte Moderno reabrió en septiembre, tras un largo lavado de cara. Y su vecino, el Museo Van Gogh, seguirá el 2 de mayo. Con él acabará una década tortuosa de obras y sin museos que lleven la batuta.
El rey de la plaza, frente al Concertgebouw (sala de conciertos), es el Rijksmuseum.  Lo diseñó en 1885 el arquitecto Pierre Cuypers como puerta de la ciudad: a través de dos torres, los ciudadanos de Ámsterdam dejaban atrás el viejo cinturón de canales de hace 400 años para introducirse en los barrios modernos. Pero sobre todo, Cuypers creó una catedral para Rembrandt.
Y ese fue siempre el problema. Esta obra maestra del arquitecto católico horrorizaba a los calvinistas holandeses. En el siglo XX fue adaptado incontables veces al gusto sobrio y las necesidades de la época: los murales se pintaron de blanco, el terrazo italiano se cambió por linóleo y los patios interiores se llenaron de pequeños gabinetes. Hasta que el Rijksmuseum se convirtió en un oscuro laberinto.
“Hemos lavado la cara al edificio”, explica el arquitecto Antonio Ortiz. Y es que el dúo español Cruz y Ortiz no sólo ha recuperado el antiguo esplendor del edificio de Cuyper, sino que con modernas ampliaciones, un nuevo pabellón asiático, un imponente hall de entrada y las últimas instalaciones técnicas lo ha dotado de plena modernidad.
Los patios interiores vuelven a estar abiertos y unidos unos con otros. Y bajo un enorme techo de cristal surge la elegante sala de acceso, por la que se espera que pasen hasta dos millones de visitantes al año.
En la primera planta se aprecia otra vez el viejo brillo de Cuyper: delicados ornamentos florales en las columnas, altos ventanales emplomados, un nuevo suelo de terrazo y murales con escenas de la historia holandesa. Y sobre ellos se eleva la exquisita bóveda, como en una catedral gótica.
Desde allí se accede al verdadero santuario: la galería de honor.
Esta mayestática sala, con elevados arcos ojivales, resulta impresionante. A la izquierda y a la derecha, sobre paredes grises, se suceden los maestros holandeses del siglo XVII: Vermeer, Frans Hals, Jan Steen. Y al final de la galería, el broche de oro al que Cuyper dedicó el museo: “La ronda de noche” de Rembrandt.
La obra maestra del pintor barroco es el único cuadro que regresa a su lugar original. En total, el Rijksmuseum expone en 80 salas 8 mil piezas de su colección, que ronda el millón de ejemplares. En conjunto, narran los 800 años de historia de Holanda.
También es nuevo el diseño de la exposición: los lienzos se muestran a menudo junto a objetos históricos en vitrinas casi invisibles. Así, junto a los cuadros sobre la caza de ballenas se ven pequeños gorros de lana de los trabajadores. El Rijksmuseum debe aunarlo todo, explica su director Wim Pijbes: “Los visitantes deben abrazar la belleza y vivir la conciencia del tiempo.”
Fuente: Dpa/La Jornada en Internet

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El espacio cósmico de Tadao Ando

por Estefanía Cano*

LA CULTURA ESPACIAL oriental ha adquirido gran importancia entre la arquitectura contemporánea de occidente porque los principios con base en los cuales se yergue fomentan un diálogo espiritual entre el hombre y el espacio que habita. Para la mentalidad oriental es  muy claro que los elementos que conforman la arquitectura no son los muros, vanos, columnas y techumbres, sino el tiempo y el espacio. Dichos principios se fundamentan en el Taoísmo. Ésta es una filosofía anterior al Confusionismo en la cual llamaban a la realidad el Tao, que originalmente significó La Vía. Es la vía, o proceso, del universo, el orden de la naturaleza.
Uno de los arquitectos japoneses contemporáneos más representativos en este arte es Tadao Ando. Nacido en Osaka en 1941, propugna que la arquitectura debe ser el resultado de un encuentro entre el razonamiento lógico y la creación que resulta del uso de los sentidos, relación que logra haciendo sus diseños con base en esta filosofía taoísta.

Tadao Ando Retrato
Los principios que rigen –y se convierten en elementos arquitectónicos– son la armonía, ya que el  taoísta considera al universo como un sistema interrelacionado en equilibrio y en constante cambio; los sentidos, éstos y los sentimientos son las puertas de la percepción por las que el espíritu liberado vuela; aceptar como modelo de sabiduría a la naturaleza; y, contrario a lo que se observa en las culturas occidentales, principios referidos a aspectos negativos, como la oscuridad y el no ser,en la cultura oriental siempre han desempeñado un papel decisivo en el desarrollo de las artes cuyo centro de gravedad parte del concepto del vacío. Éste es más importante que lo lleno. La realidad de una habitación está en su espacio libre y no en los techos y muros, es ahí donde se da el movimiento en el que se encuentra lo intangible, los fenómenos psicológicos, las vivencias.
El principio filosófico respecto a la dualidad de la existencia de fuerzas aparentemente opuestas en el mundo, pero que en realidad son complementarias, le da pauta a Tadao Ando para armonizar los diseños arquitectónicos con elementos como el vacío y lo lleno, la oscuridad y la luz, edificación y naturaleza, dentro y fuera, tecnología y tradición, espacio profano y espacio sagrado.
Una de las obras más reconocidas del arquitecto es la Iglesia de la luz, ubicada en una esquina de un suburbio residencial en Ibaraki, Osaka. Está compuesta por dos edificios dispuestos en ángulo, orientándose de acuerdo al plan urbanístico. En ella se ejemplifica el postulado taoísta según el cual no hay espacio sagrado sin la presencia del hombre. La oscuridad y el vacío son las características más importantes de este espacio. Es en la oscuridad donde el sentimiento de lo sagrado adquiere dimensiones cósmicas.

Capilla de la luz
El acceso al conjunto es intencionalmente indirecto, el diseño obliga a entrar por una calle lateral y aparecer en la parte posterior de la iglesia. Desde allí se ingresa a una pequeña plaza de forma circular y a través de ella se distribuyen los accesos a la iglesia principal y a la capillita conexa.
La espacialidad japonesa tiene un fuerte componente experimental. Por ejemplo, en un viaje lo interesante está en el propio viaje, en el camino que lleva de un lugar a otro, y no tanto en el punto de destino. En algunos recorridos de los proyectos arquitectónicos japoneses se produce un cambio en la concepción espacial: de un espacio de penetración se pasa a un espacio de contemplación.
El ámbito no está condicionado por sus formas y medidas, sino que es percibido por medio de los cinco sentidos que se despliegan en el espacio-tiempo. Con todo lo anteriormente dicho, uno se puede dar una idea de la concepción de la espacialidad japonesa y de que el concepto de espacio no está separado del tiempo sino que es un solo concepto: espacio–tiempo. Y de aquí nace un vocablo llamado Ma.
En términos espaciales, el concepto Ma es la linde natural entre dos o más cosas que existen en contigüidad; en términos temporales, es la pausa natural o intervalo entre dos o más fenómenos que se suceden.
El Ma se presenta en el diseño de los caminos de piedras de las casas tradicionales japonesas. Las piedras determinan la forma en que se caminará, organizan el proceso del movimiento de un lugar a otro, marcan el ritmo de desplazamiento, presentando una perspectiva distinta desde cada punto del camino.
Este concepto lo retoma Tadao Ando en el diseño de una  pequeña capilla ubicada cerca a Kobe, en el Monte Rokko.

Museo de la madera

Museo de la Madera, Tadao Ando

El Ma se asoció al Kami (espíritu) e indica el lugar donde éste desciende, estableciendo la frontera entre el espacio profano y el espacio sagrado.
Esta capilla viene a ser una síntesis  en la búsqueda del arquitecto por establecer un vínculo entre los ámbitos religiosos y el contacto con la naturaleza.
Templo (museo) del agua Vista de verano
En la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu (Hokkaido), donde los bancos se orientan hacia un lago artificial del que surge una cruz de hormigón, se ejemplifica otro espacio que surge del pensamiento taoísta, a partir de ese principio de la dualidad, es el engawa, el cual nace como manifestación de ese equilibrio de fuerzas conocidas como el ying y el yang, es el espacio japonés que está comprendido por debajo de los grandes alerones de la casa, y es denominado espacio gris. Es un espacio que rompe con la tensión de opuestos interior–exterior, los que se unen y se confunden, o bien es una técnica de crear una continuidad entre naturaleza y edificio.

Estos espacios, además de tener fundamentos filosóficos, tienen sus principios estéticos. En la antigua China se remitían a la observación de la naturaleza y buscaban la integración con ella; en este sentido se puede considerar una estética ecológica.
La concepción del espacio depende de la percepción del individuo, de modo que su objetivo estético es cumplir con la función social de hacer consciente al subconsciente, abrir las puertas de la percepción y dar forma expresiva a los grandes temas. La belleza penetra gradualmente.
En esta capilla de pueden apreciar los cuatro umbrales de la estética taoísta: Empatía (resonancia y armonía), Ritmo vital, Reticencia y Vacío.
El primer canon es conseguir resonancia entre perceptor y percepción, entre la obra de arte y quien la recibe. En Occidente esta armonía estética se llama empatía (sentir en). Es la creación en el espectador de una identificación emocional instantánea. El Ritmo Vital pretende captar los movimientos vitales del espíritu a través de los ritmos de la naturaleza. Recibir el chi (energía vital) emanado por los objetos y comprender el estado de ánimo de cada cosa. Captar y ser poseído a la vez por el ritmo vital del espíritu.
La reticencia y sugestión es el mensaje que no se da; lo que se sugiere no se debe decir. Al no decirlo todo, el artista deja al espectador ocasión para completar su idea: Hay allí un vacío que podemos penetrar y que podemos llenar cumplidamente con nuestra emoción artística. La verdadera belleza sólo puede descubrirla quien mentalmente haya contemplado lo incompleto. Las formas incompletas dan un cierto dinamismo al objeto, pues la mente siempre tiende a complementar lo incompleto. Crea formas asimétricas que tienden hacia la naturalidad, libertad y originalidad. El pasillo que conduce a la capilla sugiere que hay algo en el exterior, pero no te permite apreciarlo hasta que se expone francamente en ésta.
La Soledad Sonora (el vacío en español; le vide, en francés) está presente en toda la arquitectura de Tadao Ando, y consiste en tratar el espacio vacío como un factor positivo; no como algo que queda por llenar y sobra, sino como el seno materno de las formas.
Es una economía de la ornamentación, puesto que demuestra que el bienestar se da, antes bien, en la sencillez que en la complejidad y el despilfarro. La simplicidad de la decoración se desarrolla junto al embellecimiento exuberante y la oscuridad comparte el espacio con la luz.
Es una geometría moral, puesto que define el sentido de nuestra proporción en relación con el universo. También es la “Casa del Vacío”, porque está desnuda de ornamentación y se puede colocar en ella libremente alguna cosa inacabada, que los juegos de la imaginación acabarán a su gusto para satisfacer cualquier fantasía estética. Significa la concepción de una necesidad de cambiar continuamente los motivos ornamentales.
Otro elemento de la arquitectura tradicional china que Tadao Ando utiliza en casi todos sus edificios es el Rozi, un pasillo  que atraviesa el jardín y conduce desde el pórtico a la cámara del té, y significa el primer grado de la meditación, el paso a la auto-iluminación. Rompe todos los lazos con el mundo exterior y prepara al visitante, con frescura para los puros goces estéticos.
Con esto hace  que, al igual que el participante en la ceremonia del té, el usuario de los edificios comunes no experimente el espacio por medio de un golpe de vista, sino que la vivencia espacial sea gradual.
En el Museo de la madera, que fue construido para conmemorar el cuadragésimo quinto Día Nacional del Árbol en Mikata, Hyogo, Japón, el centro del espacio, que ocupa un estanque, provoca un encuentro dramático entre cielo y agua. Una pasarela en pendiente penetra en el edificio, atravesando el estanque y conduciendo al anexo, donde se disfruta de la excelente panorámica de un bosque.

“Los visitantes del Museo experimentan al mismo tiempo, en el vigoroso espacio del edificio, el profundo bienestar del bosque y una reacción de la cultura humana alimentada por ese bienestar. Luego son liberados en el intervalo entre el cielo y el agua. De esta manera el Museo ayuda a experimentar de forma real la profunda relación que une a la cultura humana con la naturaleza.”  Tadao Ando

Concepto de Arquitectura Cósmica

Éste parte de la idea de proteger al individuo del crecimiento caótico y grandioso del medio urbano. Para lo cual el diseño tiene que centrarse en el espacio interior, creando un pequeño mundo, o todo un universo, en el que se establece una relación entre el ámbito y la persona.
La casa es el lugar donde el individuo vive y se aísla del mundo, es el elemento más importante de la arquitectura. “La casa es el centro de mi mundo y todo un universo”.
La Arquitectura Cósmica tiene tres aspectos: el Celestial, el Terrestre y el Humano, es un mundo trinitario. Es también una arquitectura cosmogónica que produce un modelo del Universo. Tadao Ando ha querido adaptarse al espíritu del lugar en sus proyectos arquitectónicos (lo que en Occidente se conoce con el nombre de “genius loci”). Ganó el premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por la Row House (casa Azuma) de Sumiyoshi, un apartamento de hormigón situado en una manzana de viviendas tradicionales japonesas.

Para realizar la arquitectura cósmica se vale de los mitos, del conocimiento esotérico y principalmente del simbolismo, que fue olvidado en la arquitectura de occidente por el afán racional del funcionalismo que dejó de lado la forma con toda la emoción y significado de la que puede ser capaz.
El significado es producto de la conciencia que se tiene acerca de un problema. Si esta conciencia es simplemente perceptual la edificación no pasa de ser un objeto espacial. A medida que la conciencia evoluciona hacia fases más complejas, el significado de una edificación pasa a ser más reflexivo e inmediato, refleja un mayor número de aspectos internos de una cultura.
Por ejemplo, la columna es el origen de todas las cosas. Conserva el significado simbólico aún cuando haya perdido su importancia estructural. Simboliza la unión del Hombre con el cielo y la tierra.
El círculo, el triángulo y el cuadrado simbolizan al cielo, al hombre y a la tierra respectivamente. El puente es el símbolo de unión entre dos mundos: el interno y el externo, lo lleno y lo vacío o el cielo y la tierra, el mundo secular o terrenal y la otra orilla lo sagrado y lo celestial.

Espacio para meditación, Tadao Ando.

Por lo tanto, de acuerdo con Lao Tsé, escritor del Dào Dé Jing o Tao Te Chingse, obra esencial del taoísmo, se debe tratar el espacio vacío como un factor positivo; no como algo que existe, y que queda por llenar y sobra, manejar el espacio como una experiencia y no meramente como una forma geométrica. Como ha quedado sugerido, lo más importante de una obra arquitectónica está en lo intangible como son las vivencias y los fenómenos que se dan en el espacio tiempo y no tanto en lo tangible como son muros y techos. Se han de considerar los cinco sentidos a la hora de diseñar.
Que los espacios arquitectónicos evoquen estados de ánimo donde el hombre no sólo sienta que su casa es una guarida sino también su pequeño universo, su espacio sagrado. Se debe rescatar este concepto de la elegante sencillez y el amor a la naturaleza para que queden las edificaciones integradas a ella de manera armoniosa, cumpliendo así con esa dualidad de Cultura y Natura.

*Estefanía Cano Reyes, arquitecta y pintora, N. en Aguascalientes, Ags., México, 1982.

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El Museo Suntory de Osaka, Japón

Museo Suntory 2
Proyecto: Museo, Cine IMAX 3D, restaurante

Área ocupada por el sitio:13,429.40 m2
Área ocupada por el edificio:3,983.80 m2
Superficie útil:13,804.10 m2

ElMuseo Suntory de Osaka representa uno de los intentos mejores de Tadao Ando de solucionar el tema, muy apreciado por él, de la relación entre el hombre, el agua y la arquitectura.
El Complejo cultural, deseado por la Suntory, empresa japonesa productora de licores, comprende una galería de arte y diseño, un cine IMAX 3D, una serie de tiendas y un restaurante. Cada uno de estos elementos de la composición está tratado separadamente y tiene una misma relación con la bahía de Osaka y con el contexto natural.

El terreno sobre el que surge el edificio se encuentra dentro del Tempozan Harbor Village, un parque recreativo situado en el corazón de la Bahía de Osaka, y que linda con el Kaiyukan Aquarium.

Inicialmente el solar primitivo estaba separado del mar por una franja de terreno propiedad del Ayuntamiento de Osaka. Ha tenido que librar una dura batalla para poder extender el área de competencia del museo, debido también a que el Ministerio de Obras públicas requiere a la orilla del mar la presencia de altos muelles de protección.

No ha sido fácil para el arquitecto convencer a las autoridades de la validez de su idea: crear una plaza gradada que, degradándose hacia el mar, se convirtiera en un lugar para encuentros, representaciones y conciertos, e introdujera en la vida cotidiana una relación de familiaridad con el agua.
Finalmente, el museo va al encuentro del mar con una plaza de 100 metros de largo y una profundidad de 40 m, adornada por una serie de recorridos peatonales, tramos, escalinatas y un anfiteatro hemicíclico para representaciones al aire libre.

En la orilla del mar se levantan cinco pilares monumentales, que se repiten sobre el dique rompeolas situado a lo largo de 70 m., consolidando el sentido de continuidad entre plaza y océano.

El edificio del Suntory Museum surge en el extremo Norte de la plaza y está constituido por un volumen en forma de tronco de cono invertido, cruzado por dos cuerpos sólidos de planta rectangular. Cada uno de los volúmenes cumple una función: El tronco de cono alberga en su interior el cuerpo esférico del teatro IMAX, mientras que los dos paralelepípedos que lo cruzan albergan el museo y el restaurante.

Los paralelepípedos sobresalientes están orientados según los ejes visuales y acaban en grandes aberturas acristaladas, que encuadran diferentes perspectivas de la bahía de Osaka: el restaurante está orientado en dirección a Kobe, mientras que la galería de arte, situada perpendicularmente con respecto al muelle, mira hacia el horizonte y goza de espléndidos atardeceres sobre el mar.
El centro de distribución del edificio es el hall, situado en la primera planta, a la que se accede directamente a través de una escalera mecánica.

El hall ha sido concebido como un espacio público elevado, con una espectacular vista sobre la bahía, sobre el que asoman las tiendas, el restaurante y el cine, cuya entrada está directamente unida a una terraza panorámica.

El museo propiamente dicho está situado en un nivel superior y ha sido organizado en dos partes: una zona de planta libre para albergar exhibiciones temporales y una parte con espacios bien definidos para las obras de la colección permanente.

Los materiales utilizados por el Suntory Museum son diferentes: el gran cuerpo en forma de tronco se ha logrado con una estructura reticular espacial y está revestido de acero inoxidable y de cristal en la parte central hacia el mar, mientras que las restantes partes han sido realizadas con hormigón armado precomprimido.

Fuente: http://www.floornature.es/proyectos-cultura

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Sir Arthur Evans, arqueólogo

El arqueólogo británico Sir Arthur John Evans nació el 8 de julio 1851, y murió el 11 de julio de 1941, y fue él quien excavó las ruinas de la antigua ciudad de Cnosos en Creta y la evidencia descubierta de una civilización sofisticada de la Edad de Bronce, a la que llamó minoica. Su trabajo fue uno de los logros más importantes de la arqueología occidental e impulsó considerablemente el estudio de la prehistoria de Europa y en particular del Mediterráneo oriental.
Distinguido académico, Evans fue director del Museo Ashmolean, de la Universidad de Oxford, de 1884 a 1908 y se convirtió en profesor extraordinario de arqueología prehistórica en Oxford en 1909. Su interés en las monedas antiguas y la escritura aparecida en los sellos de piedra de Creta lo atrajo a la isla por primera vez en 1894. Al año siguiente publicó pictogramas cretenses script y Prae-fenicia. Durante un discurso en 1896 sugirió que la civilización micénica de la Grecia continental tuvo sus orígenes en Creta. Tres años más tarde compró un pedazo de tierra que incluía el sitio de Cnosos, y tras excavar un año había desenterrado las ruinas del palacio que cubren 2.2 hectáreas. El tamaño y el esplendor de los resultados indicaron que Cnosos había sido una capital cultural ancestral. La compleja planta del palacio sugirió el laberinto asociado con el legendario rey Minos, lo que incitó a Evans para nombrar la civilización minoica.

Sosteniendo uno de sus hallazgos más conocidos.

En el transcurso de los siguientes 25 años Evans continuó sus investigaciones. Excavando por debajo de las ruinas de la Edad de Bronce, se encontró con los restos de una civilización neolítica, lo que ayuda a poner en perspectiva histórica Micenas. Su descubrimiento de artefactos egipcios que datan de períodos históricos conocidos le ayudaron a establecer los períodos de la civilización minoica. Estimaciones posteriores, sin embargo, difieren de las suyas.
Cnosos también produjo unas 3,000 tablillas de arcilla que contienen una de las formas de la escritura minoica, la Lineal B. Evans esperaba descifrar esto, tanto como las otras formas, la Lineal A y la pictórica. Fracasó en este intento, pero una conferencia que pronunció en 1936 inspiró a Michael Ventris a trabajar en ese sistema de escritura. (Ventris más tarde presentó pruebas de que la Lineal B era una forma de griego, y su propuesta fue ampliamente aceptada.) Evans se ocupa de las tres formas en Scripta Minoa (vol. 1, 1909,… Vol 2, editado por JL Myres, 1952) . El palacio de Minos, 4 vol. (1921-1936), fue su propio tratamiento definitivo de su obra. Evans recibió muchos honores por sus descubrimientos y fue nombrado caballero en 1911.

Fuente: Enciclopedia Británica/ Traducción Mariano Flores

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Museo Arquelógico de Albacete, España

Localización de la Provincia de Albacete respe...

Localización de la Provincia de Albacete respecto a España (Photo credit: Wikipedia)

COLECCIONES

Las colecciones arqueológicas comenzaron a formarse en el siglo XIX, cuando la Comisión Provincial de Monumentos de Albacete creó un primer museo. Fueron acrecentadas a lo largo del siglo XX gracias a una intensa labor de excavaciones y prospecciones. Hoy constituyen la parte más importante del Museo en número de piezas. La actividad fue orientada en un primer momento al conocimiento de los yacimientos de la Edad del Bronce. Pero enseguida se dirigió la atención hacia los yacimientos ibéricos, la necrópolis de Hoya de Santa Ana, cuyas excavaciones se iniciaron en 1941, la del Llano de la Consolación, en 1952, y una década después en el santuario del Cerro de los Santos (1962). Hasta noviembre de 1962 las colecciones fueron enriquecidas con la recogida de muchos hallazgos casuales entre los que destacan la esfinge ibérica de Haches (Bogarra), con los materiales procedentes de las excavaciones citadas, además con las intervenciones en dos yacimientos romanos de Ontur: el Pajar de los Zorros y la necrópolis de Las Eras, de donde proceden las muñecas articuladas de hueso y ámbar del museo. A la vez que se recuperaban piezas se comenzó a formar el archivo de arqueología albacetense no solamente a través de los registros del Museo, sino también mediante la recogida de todo tipo de noticias a través de correspondencia y de los Cuadernos de campo.

Muñecas romanas

Las colecciones arqueológicas siguieron un ritmo de incremento gracias a nuevos hallazgos y a excavaciones. Entre los primeros, el conjunto de la Huerta del Pato de Munera vinculado con los campos de urnas y, como piezas sobresalientes, las esculturas ibéricas de Capuchinos (Caudete), y el torso de caballo ibérico de La Losa (Casas de Juan Núñez) una de las más sobresalientes representaciones de la estatuaria prerromana peninsular.


Entre las segundas, las excavaciones realizadas en la villa romana de Balazote y la de la Casa de los Guardas (Tarazona de la Mancha), la recuperación de tres tesoros numismáticos: las monedas de la Casa Sindical de Albacete, de época de los Austrias; y los tesoros de piezas de oro de los Borbones procedentes de Madrigueras y Villamalea. Desde 1972 la arqueología albacetense comenzó a expandirse. Además del Museo como institución, las universidades españolas, impulsoras de los estudios de arqueología, diseñaron diversas actuaciones de investigación en la provincia de Albacete. Así su mapa arqueológico comenzó a completarse tanto en la extensión geográfica de los hallazgos como en su adscripción cultural y cronológica. Fueron descubiertos nuevos lugares con arte rupestre en Nerpio y las pinturas paleolíticas de la Cueva del Niño (Ayna). Fueron excavados dos importantes yacimientos ibéricos: la necrópolis de Pozo Moro que, finalmente, ingresó en el Museo Arqueológico Nacional, y el poblado de El Amarejo. Volvieron las investigaciones al Cerro de los Santos, se excavó la necrópolis del Camino de la Cruz, y comenzó a vislumbrarse el horizonte cultural de la Edad del Bronce en tierras albacetenses a través de la excavación de la Morra del Quintanar en Munera.


COLECCIONES DE PROTOHISTORIA: LOS YACIMIENTOS IBÉRICOS

Desde mediados del siglo XIX la arqueología ibérica de la provincia de Albacete comenzó a ser relevante por el descubrimiento y las excavaciones realizadas en el Cerro de los Santos (Montealegre del Castillo), por el hallazgo de la Bicha de Balazote, así como por otras esculturas adquiridas a finales del siglo XIX para el Museo del Louvre.
Esa riqueza cultural y patrimonial se incrementó a lo largo del siglo XX. Hoy la colección de escultura ibérica del Museo de Albacete constituye una de sus mayores riquezas, destacando piezas como La esfinge de Haches (Bogarra), los jinetes de Los Villares de Hoya Gonzalo, el caballo de La Losa, el conjunto de Capuchinos (Caudete), así como la estatuaria del Cerro de los Santos. La colección posee lotes de cerámicas griegas procedentes de las necrópolis ibéricas de la zona, entre las que destacan la lecane de El Salobral con la representación de Dionisios y las mujeres casaderas, las armas ibéricas, las cerámicas entre las que destacan las decoradas de El Tolmo de Minateda (Hellín), o terracotas como el askos en forma de paloma de El Amarejo (Bonete), constituyen una parte notoria de las piezas de arqueología ibérica.


Cabe mencionar asimismo que este museo cuenta con valiosas colecciones de época romana procedentes de hallazgos casuales y, sobre todo, de las excavaciones realizadas en la villa romana de Balazote entre 1970 y 1975 y la antigua Illunum (El Tolmo de Minateda, Hellín) desde 1988. De ciudades como Illunum, Libisosa (Lezuza) e Illici (Elche de la Sierra) se exhiben algunas piezas, otras procedentes de necrópolis o de lugares como establecimientos agrícolas.

Fuente: http://www.patrimoniohistoricoclm.es/museo-de-albacete/el-museo/

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Tesoros de la Villa Borghese

La principal galería de Roma para el Renacimiento, el barroco y el arte posterior se encuentra en la Villa Borghese. Recordamos aquí algunas de las obras maestras que alberga este célebre recinto. El edificio principal de la villa es obra del arquitecto Flaminio Ponzio.

Bernini, Apolo y Dafne

Villa Borghese, Roma, detalle de la fachada

 

Basano, La última cena

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